Este libro plantea el estudio del arte español del Quinientos en términos de la dialéctica entre dos sistemas de representación diferentes, reflejo de mentalidades diversas que suponían la aceptación de categorías artísticas distintas y nuevas, así como de significados y funciones de la imagen, figurativa o arquitectónica, hasta entonces insospechados.
En el campo artístico, nuestro siglo XVII es el continuador de los valores clásicos importados en el XVI y que tomaron carta definitiva de naturaleza con Felipe II. Nuestro barroco es un progresar continuado a partir de esos valores y conceptos nunca puestos en duda y siempre reivindicados como esenciales, pero perfectibles.
Se abarcan todas las corrientes no sólo desde el análisis de las obras y de los artístas, sino particularmente desde la óptica de los presupuestos teóricos, estéticos y operativos de cada período, destacando las diferencias que mediaron entre la formación de los artistas antes y después de la creación de las diferentes instituciones académicas.
La obra del siglo XX en España es de una trascendencia importantísima, ya que es justamente el cambio estructural del arte moderno. Los artistas revelan sus enseñanzas en el extranjero, remueven la cultura y se insertan dentro de la sociedad con más permisividad, tanto en la arquitectura como en la escultura, pintura y hasta en el diseño.
Al finalizar la guerra civil, los vencedores utilizaron el cine como uno de los instrumentos didácticos más eficaces de propaganda política a su servicio. Se incentivó desde lo más alto un modelo cinematográfico comprometido ideológicamente con el Régimen para potenciar más eficazmente sus consignas y, en un tiempo récord, se posicionó además al cine como la mejor, y más barata, oferta de ocio para los espectadores supervivientes de la guerra y también como el medio más eficaz y seguro para evadirse de la dura realidad. En esta situación, y apoyándose principalmente -aunque sin ninguna planificación- en tres compañías productoras estables se creó un star-system que, a semejanza del de Hollywood o de los modelos italiano o alemán, fue utilizado para difundir ideología o simplemente para atraer espectadores a los locales. Este libro establece sus equivalencias en el cine español de aquellos años, ligado lógicamente con la situación político-social; las características de las productoras más importantes; las películas más representativas; la personalidad de los directores de más renombre; los principales actores y las estructuras de los posibles géneros.
El presente volumen surge con motivo de la Retrospectiva de Cine Contemporáneo de la India programada durante la cuarta edición del Festival Internacional de Las Palmas de Gran Canaria 2003, como una guía útil para el espectador del ciclo. Pero también pone a disposición de cualquier lector interesado una introducción tan somera como eficaz a ese territorio, ignoto para la mayoría del público occidental.
Análisis de las visiones utópicas de la ciudad, desde las puramente artísticas hasta aquellas que supusieron importantes transformaciones e innovaciones urbanísticas y arquitectónicas. Se desvelan gran variedad de motivaciones y concepciones sobre la ciudad a lo largo del tiempo, convertidas en un microcosmos donde la búsqueda de la belleza y el establecimiento de un orden y una jerarquía significaron, ante todo, un intento de dominar el caos de la vida. Una obra que invita a la reflexión rigurosa y el debate fecundo de ideas.
Este libro se interesa por el reflejo cinematogrñafico de los flujos migratorios procedentes desde numerosos focos orientados hacia Europa desde mediados del siglo XX.
El presente volumen abarca dos áreas dentro del marco de las relaciones entre el cine y el teatro en España. En la primera parte, se analiza la filmografía que se ha ocupado del teatro y sus gentes. La actividad de las compañías, los problemas laborales y personales de los actores, la valoración de la profesión de cómicos, la historia de las grandes figuras y algunos locales... centran el interés de un conjunto heterogéneo de películas que nos permiten conocer la visión del teatro dada por el cine español. La segunda parte tiene una intención fundamentalmente docente y está concebida como instrumento de trabajo para alumnos y profesores. A partir del estudio de algunas adaptaciones cinematográficas de textos teatrales españoles del siglo XX, se aborda el polémico tema de las adaptaciones y su relación con las obras seleccionadas.
Atom Egoyan es un cineasta canadiense anglófono de origen armenio. Se dio a conocer a finales de los años 80 con un grupo de películas fascinantes que pronto le situaron en el mapa del gran cine de autor internacional. Títulos como Family Beijing, Speaking Parts, El Liquidador (el primero estrenado en España) y Exotica planteaban un fructífero reto: el de afrontar una obra analítica pero apasionada, conceptual pero muy visual, hecha de imágenes que se ofrecen seductoras pero no se entregan con facilidad al espectador.
A mediados de los 90, Egoyan da un punto de giro a su carrera. Tras su gran triunfo con El dulce porvenir, aborda el thriller en El viaje de Felicia y Where the Truth Lies, y encara el doloroso legado del genocidio en Aranat.
El cine de Ehgoyan ha mantenido una consistencia de visión apabullante, rindiendo cuentas de los cambios sufridos por la imagen narrativa en la era del posmodernismo y del video, y proponiendo todo un modelo para un cine acentuado por su doble identidad occidental y armenia.
Este libro es un testimonio de la admiración de un espectador que le ha acompañad durante este cuarto de siglo.
Cuatro años, desde la lectura de la novela hasta el estreno de la película, durante los cuales el periodista Agustín Rivera ha entrevistado a los implicados y asistido a la elaboración de la segunda película dirigida por Antonio Banderas: El camino de los ingleses. Entretenido y repleto de curiosidades este cuaderno de rodaje nos muestra todo el proceso de creación. Incluye fotografías en blanco y negro.
Este es un relato periférico y sus protagonistas son naúfragos. Podría ser un conjunto de retratos de cineastas y sus películas, pero también podría ser un conjunto de retratos de sus testigos, los espectadores.
Ramón Luque nos sumerge en la vida del genial Woody Allen, rastreando en sus orígenes hasta encontrar el inicio de sus recurrentes obsesiones: el sexo y la muerte.
Brillante, polifacético y sugerente ensayo sobre montaje escrito por el prestigioso Walter Murch. Empezando por la pregunta más básica acerca del montaje: ¿Por qué funcionan los cortes?, Murch invita al lector a un maravilloso viaje a través de la estética y las implicaciones prácticas del montaje cinematográfico. Esta edición incluye una extensa meditación sobre el estado actual del montaje digital.
Guión cinematográfico de la película de Cesc Gay, escrito por el director y Tomás Aragay.
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