Roque Baños (Jumilla, 1968), tras cursar estudios de jazz y composición de música de cine en la Escuela de Berklee, en Boston, compuso su primera banda sonora en 1997, para el largometraje Carreteras Secundarias de Emilio Martínez Lázaro. A partir de entonces fue reclamado tanto por los jovenes directores del cine español (Álex de la Iglesia en La Comunidad, Santiago Segura en Torrente, David Trueba en Obra Maestra, Daniel Monzón en El Corazón del Guerrero) como por los más veteranos (Gerardo Vera en Segunda Piel, y Carlos Saura, con el que inició un maridaje que ya ha dado tres hijos musicales, Goya en Burdeos, Buñuel y la Mesa del Rey Salomón y Salomé). El presente estudio analiza las claves de su estilo musical y repasa los 21 títulos de su filmografía hasta febrero de 2002.
El centro de la UNED de Melilla publicó en 2007, dentro de la colección Aula de Cine que dirige Moisés Salama, el libro Rostros de ficción. Seis relatos mutantes. Con diseño de Manigua e ilustrado por Joaquín López Cruces, contiene relatos de Rodrigo Fresán, Pablo Aranda, Miguel Ángel Oeste, José Antonio Garriga Vela, Ángel Castro Maestro y Fernando Iwasaki.
Guión cinematográfico de la película dirigida por Carlos Molinero y protagonizada por Marisa Paredes e Imanol Arias. Está basado en la obra de teatro del mismo título escrita por José Luis Alonso de Santos. Presentada a competición en la sección Zabaltegui del Festival de Cine de San Sebastián 2001. Octavo número de la colección Espiral.
Azcona dice de Gracia en esta obra: “Abandonar un personaje como Curro Jiménez y seguir siendo Sancho Gracia es una hazaña que sólo se explica por la calidad del actor: un caballo, el paisaje del campo español y los derroches de generosidad ayudan a los suyo a la hora de componer el personaje de bandolero; exteriorizar pie a tierra y en planos cortos las miserables tragedias del derrotado boxeador de “Mala Racha”, de José Luis Cuerda, o del señorito asesino de “Jarabo”, de Juan Antonio Bardem, eso, ya es otro cantar”.
El humor negro y la sátira son dos de las notas predominantes en la obra Azcona. En total ha sido el guionista de más de 80 películas a lo largo de cuarenta años de trayectoria profesional, aunque nunca va a los estrenos -desaparece de casa y se aloja en un hotel para evitar los compromisos- y siempre dice que le gusta más leer que ir al cine.
Huye de las cámaras, la fama y la popularidad. Hasta tal punto le gusta mantenerse lejos del escaparate público que durante una época corrió el rumor con sabor a leyenda urbana de que Azcona o existía, que se trataba en realidad de un grupo de guionistas anónimos que firmaban bajo este seudónimo.
Guión original de la película escrita y dirigida por Montxo Armendariz. Número tres de la colección Espiral, coeditado con Sogepaq y Aiete-Ariane Films.
Primera publicación monográfica en lengua castellana sobre el cine de Corea del Sur, el presente volumen -auspiciado por el Festival Internacional de Cine de las Palmas de Gran Canaria, que consagra una de las retrospectivas de su quinta edición (2004) a esta profunda renovación acometida en los últimos años- asume voluntariamente una cierta vocación introductoria y aspira sobre todo a configurarse como una útil guía para la más cómoda y apropiada aproximación a tan rica y pujante tradición fílmica.
Guión original de la película escrita y dirigida por Montxo Armendariz, encuadernado en tapa dura y en una cuidadisima edición. Incluye una entrevista a Montxo Armendáriz por Carlos F. Heredero
Probablemente en ninguna otra manifestación artística como en el cine existe mayor posibilidad de acceder a las ideas que, sobre su obra, pero también sobre su arte en general e incluso sobre otros aspectos extra-cinematográficos, han expresado algunos de sus más importantes creadores. Y es que, con sus incoherencias y sus contradicciones, las reflexiones de los directores de cine son casi siempre mucho más reveladoras de su universo creativo e ideológico que el más lúcido de los estudios que cualquier analista pueda dedicarles. No sólo por lo que dicen, sino (a menudo) también, por cómo lo dicen.
Esto es lo que pretende ser esta antología: un diálogo improbable, salvando obstáculos coronológicos y geográficos, entre los más grandes creadores de formas cinematográficas. Un repaso a los diversos estilos de creación en busca de las claves esenciales que hacen de este lenguaje un arte. Y todo ello, teniendo en cuenta que no hay una verdad única, una fórmula mágica, sino una enorme variedad de criterios, fruto de la diversidad de procedimientos mediante los cuales se gestaron las obras de los más grandes genios del cinematógrafo.
El arte hindú es considerado tradicionalmente como un camino de realización. La experiencia estética pura supone un éxtasis que anticipa la realización y la plenitud espiritual. El símbolo (analizado aquí sobre todo en la arquitectura y la escultura) se muestra como el modo privilegiado de representar y revelar lo Sagrado. La contemplación del símbolo artístico permite la profundización en niveles de conciencia y de la realidad hasta acceder a la identificación con el objeto contemplado. La contemplación que el artista debe haber ejercitado sobre el aspecto de la realidad que trata de expresar a través de su creación ha de ser igualmente practicada por aquel que accede al goce estético mediante la contemplación de la obra de arte. De ahí que arte sea considerado como un yoga (shilpa-yoga) y la meditación (dhyana) su herramienta principal.
Guión original de la película escrita y dirigida por Agustín Díaz Yanes e interpretada por Penélope Cruz y Victoria Abril entre otros.
Guión cinematográfico escrito y dirigido J.D. Wallovits y Roger Gual. La película consiguió el Goya a la Mejor Dirección Novel 2002. Interpretada en sus principales papeles por Antonio Dechent, Juan Diego, Ulises Dumont, Chete Lera y Vicky Peña. Número 28 de la colección Espiral, contiene fotografías a color de la película.
Recopilación de los mejores carteles de las películas producidas por Sogecine en sus diez años de existencia.
Guión original de la película escrita y dirigida por Javier Balaguer e interpretada por Sergi López y Paz Vega, cuyo argumento gira en torno a la violencia desatada en el seno de una pareja. Incluye fotografías de la película.
En el terreno cinematográfico, no existió una pretendida sumisión del régimen franquista respecto a los intereses norteamericanos, ni hubo una coincidencia de intereses entre Washington y Hollywood. En este sentido, las principales trabas que se le plantearon al cine comercial de Estados Unidos no fueron de índole cultural ni estuvieron asociadas al sistema de censura. Por otro lado, los mayores importadores del cine estadounidense a España, durante las primeras décadas de franquismo, no fueron las filiales de las compañías de Hollywood, sino la representación diplomática de Estados Unidos, siendo el cine documental, que no de entretenimiento, el principal producto de importación. Este libro trata de desmitificar una serie de presunciones, no por frecuentes menos equivocadas, acerca de las motivaciones y consecuencias de la interacción entre aquellos tres sospechosos habituales: el cine norteamericano, el gobierno de Estados Unidos y la España franquista. El régimen español y la influyente industria cinematográfica norteamericana libraron una dura contienda que giró en torno a móviles de naturaleza económica: sistema de importación, repatriación de beneficios y estructura del sector de la distribución. El desenlace no fue favorable a las pretensiones de las empresas estadounidenses, que sólo ocasionalmente gozaron del apoyo de su gobierno en aquel enfrentamiento. Tampoco la economía y el cine españoles resultaron beneficiados de aquella postura de resistencia. Además, la presencia del cine norteamericano estuvo lejos de reducirse a las producciones de Hollywood. Cientos de películas fueron proyectadas ante millones de españoles a través de los programas informativos y culturales que el gobierno de Estados Unidos desarrolló en España, primero en el contexto de la Segunda Guerra Mundial y más tarde bajo las coordenadas de la Guerra Fría y los pactos bilaterales de 1953. Las facilidades recibidas en tal sentido por parte española contrastaron con los múltiples obstáculos impuestos por el régimen franquista a la industria cinematográfica norteamericana.
El cine de terror en España existe y tiene muy buena aceptación. Los recientes éxitos de “Los otros”, “El orfanato” y “REC”, así lo atestiguan.
Este libro repasa los principales títulos, los actores, los productores, los maquillajes y los efectos de las películas del género rodadas en España y dirigidas por cineastas como Paul Naschy, Jesús Franco, Narciso Ibáñez Serrador, León Klimowsky, Juan Piquer, Amando de Ossorio, José Ramón Larraz, Eugenio Martín, Jorge Grau, Guillermo del Toro o Alejandro Amenábar.
Películas como “La noche de Walpurgis”, “La residencia”, “No profanar el sueño de los muertos”, “Pánico en el Transiberiano”, “El retorno del hombre lobo” o “Los sin nombre” son reseñadas a lo largo de sus páginas.
También se habla de cuando los grandes internacionales del horror como Mario Bava, Christopher Lee, Boris Karloff o Vincent Price rodaron en España.
El Spanish Horror también existe.
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