Estudio de la figura histórica y la trayectoria profesional de Martín Corona (1862-1928), pintor oscense cuya pertenencia a la Compañía de Jesús mediatizó las posibilidades que hubieran hecho de él uno de los más brillantes artistas aragoneses de comienzos del siglo pasado. El examen de los abundantes dibujos, diseños y pinturas de Coronas permite analizar las relaciones entre su modo de trabajo y el de los pintores de historia. El libro incluye numerosas ilustraciones en blanco y negro y color.
El tratado de Martínez (1675) forma parte, con los Diálogos de la pintura de Carducho y el Arte de la pintura de Pacheco, de la tríada de textos de teoría del arte más importantes del Siglo de Oro español. Habitualmente reducido a mero depósito de datos histórico-artísticos, posee, sin embargo, un rico fondo teórico, que bebe en fuentes tan variadas como Séneca, Vasari, Carducho o Baltasar Gracián, con quien comparte su filosofía moral a través de los conceptos de buena elección y buen gusto, principalmente. Esta edición aborda los problemas de crítica textual y literarios del manuscrito apógrafo conservado en el Museo Nacional del Prado.
Es una historia de la pintura a través de las colecciones del Museo. La primera parte de la obra representa cronológicamente las escuelas y estilos más siginificativos. La segunda parte, visualmente la más importante, consta de cien espléndidas reproducciones acompañadas cada una de ellas de un texto explicativo, donde se realzan los valores estéticos y la significación histórica, sociológica e iconográfica de cada una de estas obras maestras cuidadosamente escogidas. Edición en inglés.
This is a revised edition of the author's 1985 study, now out of print, which has been republished in response to the great interest of its subject matter, Botticelli, and of its critical approach, a humanistic analysis of the cultural contexts of Renaissance painting. Among the aspects discussed are the artist's evolution, Medici patronage, Neoplatonism, and ways of interpreting mythology, allegory, and iconography in art.
El cine ha buscado su inspiración en el lenguaje milenario de la pintura. En realidad, no sólo se utiliza la pintura con motivos exclusivamente estéticos, sino también narrativos. Por ello, la relación entre el cine y la pintura ha sido uno de los temas que más ha llamado la atención a los estudiosos del cine desde sus inicios. De Eisenstein a Rohmer, pasando por Bazin, Panoswky o Mitry, numeros trabajos y aportaciones analizan el nexo existente entre estas dos formas de expresión figurativa, una tan antigua como la propia historia del hombre y otra plenamente vinculada a la modernidad.
Cuidado con la pintura pretende una aproximación al arte español de las primeras décadas del siglo XX desde una novedosa perspectiva, privilegiando como fuente primaria para su estudio el conjunto de críticas dedicadas al mismo desde el arte de la caricatura. De esta manera, en un momento de máxima presencia del humor gráfico en la prensa escrita, las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, así como la recepción de las polémicas propuestas vanguardistas, constituyeron un formidable motivo de sátira para la espléndida generación de caricaturistas de comienzos de siglo. La producción de los Bagaría, Bon, Castelao, Demetrio, Echea, Fresno, Karikato, López Rubio, Ramírez, Robledano, Sancha, Sileno o Tovar, entre tantos otros, proporciona una magnífica medida del sentir popular hacia un arte fracturado por la dicotomía entre tradición y modernidad, a la vez que nos ubica en las principales problemáticas relacionadas con su recepción por parte de especialistas y público.
La obra versa sobre la naturaleza y valor del procedimiento de autentificación de las pinturas de la cueva de Zubialde (Álava), de las que una mínima parte han sido falsificadas y de las que el resto se halla bajo sospecha de falsificación. Es la primera vez que es abordado este tema en la investigación prehistórica, lo que le permite proponer un modelo de tratamiento de casos similares. A partir de la forma de ejecución de lo falsificado analiza las formas de ejecución de las restantes pinturas rastreando la mano del falsificador en aquellas de las que no consta su falsificación. Con ello pretende establecer el grado de probabilidad de las hipótesis sobre Zubialde.
El Greco representa el caso más extraordinario de fusión de culturas artísticas que se haya producido en la historia del arte. Se forma en Creta, ciudad en la que nació, más tarde en Italia y, para terminar, en la corte de Felipe II, en Toledo. Aislado de las corrientes principales del arte de su tiempo, puso en pie una de las obras más intensa y espiritual de la cultura europea.
El secreto creador de Salvador Dalí, de Jesús Lázaro Docio, introduce al lector en el entrañable mundo de la creación. Ningún objeto exterior está definido exactamente y cada cosa puede transformarse en otra, formando una unidad de pluralidades, y de esta manera un narciso se convierte en un caballo putrefacto, una mano en un bicho espeluznante y un reloj en un huevo frito. Este libro abre las puertas a la caótica mente daliniana donde el autor aplica el orden metodológico elaborado por Dalí. Todo ello cobra sentido con la establecida relación, casi obsesiva, que mantuvo el pintor con el psicoanálisis durante su vida.
La obra del siglo XX en España es de una trascendencia importantísima, ya que es justamente el cambio estructural del arte moderno. Los artistas revelan sus enseñanzas en el extranjero, remueven la cultura y se insertan dentro de la sociedad con más permisividad, tanto en la arquitectura como en la escultura, pintura y hasta en el diseño.
A lo largo de su historia milenaria, el vidrio ha combinado su funcionalidad para multitud de aplicaciones de uso común con su valiosa contribución al desarrollo científico y con su importante papel como material para la creación artística. Ningún otro medio de información mejor que la pintura puede ofrecer un testimonio documental tan fiel de la abundante y diversa presencia del vidrio en la vida cotidiana de cada época. A su fidelidad une el placer de su contemplación artística. Por eso, rastrear las huellas que ha dejado el vidrio en la pintura es una fascinante tarea que se convierte en privilegio cuando se tiene la oportunidad de adentrarse en la colección del Museo Nacional del Prado para buscar, entre los más de ocho mil cuadros que componen parte de su tesoro artístico, los diversos objetos de vidrio representados en ellos. Este estudio ha permitido catalogarlos y clasificarlos tipológicamente en tres índices, así como describir sus características, su evolución histórica y su procedencia geográfica. Con la lectura de esta obra se recorre un camino en el que el guía protagonista es el vidrio bajo las diversas fisonomías de botellas, copas, ventanas, espejos, instrumentos ópticos, objetos de laboratorio, etc., con que se hace presente en los cuadros. En ocasiones, estas piezas son uno de los motivos de interés principal del cuadro, como ocurre en muchos bodegones; en otras, contribuyen a la decoración de la escena o forman parte de ella como elementos arquitectónicos, como sucede con las ventanas y vidrieras. Pero si la catalogación e indexación de los cuadros encierran el valor de un trabajo paciente y minucioso, el atractivo principal para el lector reside en las magníficas reproducciones de aquellas obras en las que los objetos de vidrio desempeñan un protagonismo principal o constituyen una muestra particularmente ilustrativa de sus peculiaridades más destacables. Junto al largo centenar de cuadros del Museo Nacional del Prado, seleccionados para su inclusión en este libro, figura una veintena de cuadros especialmente representativos, guardados en otros museos. Asimismo, se incluyen imágenes de piezas de vidrio originales, pertenecientes a distintos museos y colecciones privadas que sirven como referencia de algunas de las que aparecen en los cuadros.
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